丨音乐学习笔记一、艺术创作尤其是音乐创作，是一件需要灵感的事情。音乐家需要灵感才能写出传唱千古的旋律，如俄国作曲家柴可夫斯基的作品，无论是《天鹅湖》还是《降b小调第一钢琴协奏曲》的主旋律，都成了我们共有的听觉记忆。二、一部音乐作品的完成，其灵光一闪的成分，并非随处可见。一部音乐作品中有几千个音符，交响曲可能达到几万乃至十几万个音符，如此多的音符，怎么可能仅靠灵感一个个地谱写出来，除了灵光一闪，作曲其实也是一门技术。三、音乐学院作曲系的学生大部分时间都是在不断锤炼作曲的技术，例如要精修所谓的“四大件”——和声、配器、曲式与对位法，这些都属于音乐创作的技术。四、对我们东方人来说，对和声相对陌生，尤其在我国，器乐演奏是以独奏单音旋律为主，从中国传统音乐的根基中，找不到明显的和声痕迹。五、和声是由不同音高的音同时发声构成，音的数量、高低可变，不同和声之间的连接也可变，和声的种类以及可达成的效果也是千变万化的。六、历史上第一个给和声写出体系化使用方法的人，是法国巴洛克时期最重要的作曲家拉莫。他是一位音乐理论家。年，拉莫出版了一本著作，叫作《还原到其自然原则的和声学》，简称《和声学》。这本书奠定了整个西方古典音乐和声体系的基本方法论。七、拉莫确立了和声系统是以主和弦、属和弦以及下属和弦这三种最主要的和弦为基本构成，三者循环演进，推动音乐进行。八、这三种和弦具体在音乐上可这样理解。人们在听歌时一定都有这样的经历：一首旋律性很强、朗朗上口的歌曲，在听过几句后很容易跟唱，且唱到一半，哪怕原唱戛然而止，也能根据这首歌旋律变化的趋势，把后半句大致唱出来。这是因为我们抓到了旋律的趋势。这种趋势在音乐里普遍存在。音乐走向的大趋势是从不稳定到稳定，从冲突到和谐。这种音乐趋势或者倾向性，在文学中也如出一辙，就像是议论文，在经历过一翻论证后，要回归中心论点，从动态趋向静态，从动荡趋向稳定。拉莫的主和弦就像文章的中心论点，是稳定且处于核心地位的。但一篇文章不能通篇只给出论点，这是毫无意义的，必须要给出论据才行。就跟议论文需要论据以及小说需要戏剧性的剧情一样，音乐也要追求变化，不能从头到尾都很和谐，一成不变。这期间，属和弦就在音乐中主导变化，是与主和弦对立的元素，而下属和弦就很好地充当了两者的连接和过渡的角色。当然，和声的种类太多了，这三种最主要的和弦是组成音乐的三个最基本要素，其他和弦在这个基本逻辑的框架下，能够制造出各种神奇的效果。九、今天，拉莫的作品已不再被经常性地上演，但拉莫的这套和声理论体系依然是音乐学院和声教学的理论源头，虽然大家已不再用他的原著，但说到和声学，无疑是由拉莫的这本著作奠定的。拉莫将和声的运用系统化、理论化，是后世音乐家作曲时的神器。十、如果说和声是一个抽象的、音乐情绪上的工具箱，那么配器就是实实在在的、真正的音乐工具箱了。配器理论讲的是在创作管弦乐时如何挑选和搭配乐器。挑选乐器相对比较容易，特定的乐器有特定的声音形象，例如：长笛最能代表田园风格，小提琴给人以优雅的印象，若要营造光辉、胜利的氛围，铜管乐则当仁不让。十一、配器学更多是讲述乐器之间的组合搭配。不同乐器同时发声，不同音色交织在一起，会产生全新的音响效果。这是因为乐器发出的声音本质上都是声波，不同乐器音色不一样是因为发出声波的波形不同，不同声波在物理上满足所谓的叠加原理，即把不同声波的振幅相加后融合成新的声波，如果两种乐器的波形相加后可以形成新的固定波形，就感觉听到了新的声音。如比才的歌剧《卡门》中的间奏曲，当长笛和单簧管一齐演奏时，便会出现这种效果。因此，配器学要求作曲家了解不同乐器间搭配会产生何种效果，以及对所有乐器的演奏能力、演奏难点、演奏法有充分的掌握。这并非所有作曲家都能做到，很多伟大的音乐作品虽然艺术价值极高，但由于作曲家本人并不很了解这件乐器的演奏习惯，会导致作品的演奏十分困难和“别扭”，柴可夫斯基的《D大调小提琴协奏曲》就是其中之一。十二、曲式很好理解，就像不同文章有不同结构要求一般，如奏鸣曲曲式就严格规定了音乐的格式，各种各样的舞曲规定了音乐的节奏类型等。十三、对位法则是相对难以理解的概念。对位法是专门针对复调音乐的创作技巧。复调音乐是与主调音乐相对的音乐形式，一般的流行歌以及大部分巴洛克时期之后的音乐，都是主调音乐。主调音乐可以粗浅但并不完全准确地理解为主唱与伴奏的关系。复调音乐并不存在主唱与伴奏关系，不同声部相对平等，共同演奏，例如男女重唱，通常是复调音乐。在男女重唱中，男声和女声所唱内容不同，音调、歌词也不必相同，如何安排两个声部的音乐，让作品听上去得当，就是对位法研究的领域。当然，对位法要处理的很可能不止两个声部，巴赫所作的赋格曲可以同时处理七个声部，不难发现，音乐创作要比常人所想象的更具有技术性。预览时标签不可点收录于话题#个上一篇下一篇
